Navarro Otero, Pedro

Treball de Fi de Màster, 2025

Este trabajo propone el concepto de cámara piel como una forma de registro encarnado que convierte la cámara en una extensión sensible y afectiva del cuerpo de la cineasta. Partiendo del pensamiento de Jean-Luc Nancy, Sara Ahmed y Teresa de Lauretis, se analiza cómo las cineastas del yo —Naomi Kawase, Chantal Akerman, Agnès Varda, Albertina Carri, Agustina Comedi, Jonathan Caouette y Gala Hernández López— inscriben su presencia corporal en la imagen. Se argumenta que la cámara piel configura una práctica feminista y queer que cuestiona las relaciones tradicionales entre cuerpo, imagen y representación. Asimismo, se explora cómo el montaje opera como espacio donde se rearticula afectivamente el archivo cinematográfico, posibilitando la reapropiación de imágenes personales y colectivas desde el presente. Finalmente, el texto propone abrir este concepto hacia una teoría del cine cuerpo que permita nuevas formas excéntricas de aparición.

Morant Manau, Ángela

Treball de Fi de Màster, 2025

Este trabajo analiza una serie de artefactos audiovisuales que emplean estrategias como el humor, la parodia y la suplantación para desestabilizar los discursos dominantes y confrontar los privilegios de clase. Este trabajo de investigación propone una relectura del dispositivo cámara-cuerpo rouchiano desde la sensibilidad estética de Chantal Maillard, con el objetivo de explorar hasta qué punto las sintonías y tensiones que emergen en su encuentro permiten pensar la praxis fílmica del cine-trance como antecedente —o punto de partida— de una metodología cinematográfica afín a la razón estética y a la poesía fenomenológica maillardiana. Desde un enfoque ensayístico que entiende el pensamiento como un proceso continuo revelado en la escritura, se pondrán en diálogo Tourou et Bitti: les tambours d’avant y Matar a Platón V.O. Subtitulada para examinar cómo fondo y forma se imbrican en el gesto creativo. Un recorrido que irá trazando un mapa relacional desde el cual descubrir caminos por los que el dispositivo cámara-cuerpo pueda aproximarse al horizonte inalcanzable al que apunta la propuesta de Maillard: una disolución del yo que está-siendo con lo que acontece en su máxima amplitud.

Tüzen Isenberg, Senem

Treball de Fi de Màster, 2025

This thesis explores how digital sound technologies—particularly the aesthetic use of noise and Dolby multichannel systems—have reconfigured cinema’s sensory capacities. Through a comparative analysis of Un Lac (2008) and Leviathan (2012), I investigate how sound becomes not mere accompaniment but the primary structuring force of perceptual experience, crafting haptic, affective time-images that foster tactile intimacy between spectator and film. In this zone of tension—this close-farness—the f ilms' sensory outreach meets the spectator's longing (Marks, 1999), dissolving the boundaries between seeing and being seen (Merleau-Ponty, 1968). Grounded in Marks' haptic visuality, Deleuze's affect theory, and Merleau-Ponty’s phenomenology, this thesis traces how cinematic sound—especially noise—produces an immersive, vibratory field that disorients representational logic and opens up new forms of sensorial cinema.

Francomano, Teresita

Treball de Fi de Màster, 2025

La presente investigación es un estudio de raíces y dislocaciones, de tránsitos e itinerancias que nos invitan a reflexionar sobre lo familiar y lo desconocido. Las heridas de separaciones y huidas no escogidas pueden hallar en las artes audiovisuales formas y lenguajes para lidiar con el estar dislocadas entre un aquí y un allá. Los relatos autobiográficos de las cineastas Antonia Rossi (Italia, 1978) y Melisa Liebenthal (Argentina, 1991) nos acercan formas de pensar nuestros orígenes más allá de las fronteras geográficas. Al invocar las memorias de desarraigos y exilios familiares, sus escrituras cuestionan los vínculos entre origen, pertenencia e identidad. Para ello, nos dispondremos a recorrer las narrativas audiovisuales de El eco de las canciones (Antonia Rossi, 2010) y Aquí y allá (Melisa Liebenthal, 2020) con el fin de hallar formas de ser y pertenecer en tierras lejanas; imaginaciones para fabricar subjetividades errantes capaces de resistir a la fijeza de una identidad amarrada a las lindes de una nación y una patria.
This research is a study of roots and dislocations, of transits and itinerancies that invite us to reflect on the familiar and the unknown. The wounds of separations and unchosen escapes can find in the audiovisual arts forms and languages to deal with being dislocated between here and there. The autobiographical narratives of filmmakers Antonia Rossi (Italy, 1978) and Melisa Liebenthal (Argentina, 1991) bring us closer to ways of thinking about our origins beyond geographical borders. By invoking memories of family uprooting and exile, their writings question the links between origin, belonging and identity. To this end, we will set out to traverse the audiovisual narratives of El eco de las canciones (Antonia Rossi, 2010) and Aquí y allá (Melisa Liebenthal, 2020) in order to find ways of being and belonging in distant lands; imaginations to fabricate wandering subjectivities capable of resisting the fixity of an identity tied to the boundaries of a nation and a homeland.

Ramos López, Miguel Ángel

Treball de Fi de Màster, 2025

Este trabajo analiza una serie de artefactos audiovisuales que emplean estrategias como el humor, la parodia y la suplantación para desestabilizar los discursos dominantes y confrontar los privilegios de clase. Partiendo del reconocimiento del rol que los medios juegan en la reproducción de la ideología hegemónica, estos dispositivos buscan intervenir en el relato oficial mediante nuevas formas de representación simbólica. El estudio se sitúa en un contexto mediático profundamente transformado por la digitalización, la aceleración de los flujos de información y el debilitamiento del vínculo entre lo visible y lo real. Frente a este ecosistema visual fragmentado y algorítmico, se plantea la hipótesis de que aún es posible construir imágenes emancipadoras capaces de instituir nuevas formas de pensamiento y acción. A través de un enfoque metodológico heterogéneo y crítico, que integra genealogías discursivas, autoetnografía y análisis semiótico, se estudian tres casos del ámbito norteamericano: Faking the President, The Yes Men y Borat Subsequent Moviefilm, ejemplificando distintos momentos de politización, sabotaje mediático y reapropiación simbólica. La investigación concluye proponiendo una reflexión sobre las posibilidades actuales de una imagen crítica, performativa y transformadora.

Martín Camarasa, Arnau

Treball de Fi de Màster, 2024

Paul Thomas Anderson es uno de los cineastas en activo que se plantea de forma más metódica las derivas psicológicas de las masculinidades que se autorrepresentan. A partir del estudio de algunas de sus películas, esta investigación señala las bases sobre las que se yergue un modelo de masculinidad que se pone en escena a sí misma, e inquiere de qué modo sus atributos cristalizan en el cine y también en las imágenes de la esfera pública. Se descartan otros filmes del director donde este concepto no es relevante.

Baño Sánchez, Lorenzo

Treball de Fi de Màster, 2024

Las principales instituciones cinematográficas europeas encargadas de impulsar la educación fílmica no permanecen indiferentes a la insoslayable presencia del contenido audiovisual en el ecosistema mediático que envuelve a los jóvenes. Por ello, abogan por una relación simbiótica entre la alfabetización cinematográfica y la mediática. En el presente trabajo, exploro las intersecciones productivas de ambas disciplinas mediante la elaboración del modelo didáctico «Alfabetización Fílmica Transmedia», que se basa en una concepción transmediática del cine. Dicho modelo se ha puesto en práctica mediante la impartición de la experiencia pedagógica “Una imagen, mil caras” en un aula de 4oESO, con el fin de comprobar sus posibilidades educativas y analizar qué puede aportar a la ecología institucional de la alfabetización cinematográfica en España.

Tejerina Ramos, Mireya

Treball de Fi de Màster, 2024

En abril de 1945 el cadáver de Benito Mussolini fue expuesto en Piazzale Loreto colgado bocabajo y el suceso quedó inmortalizado en numerosas fotografías y vídeos. Prefiguradas por toda una tradición histórica e iconográfica de personajes invertidos, la imagen pretendía desmontar el aparato propagandístico fascista de los años anteriores. Al mismo tiempo, continuaba con toda una tendencia anterior que había intentado deshacerse del Duce a través de la destrucción de sus bustos y retratos. Sin embargo, desde la posguerra hasta la actualidad se ha cuestionado ampliamente la legitimidad de la exhibición de las imágenes, con el cine como principal encargado de plasmar este debate. Por ello, es habitual encontrar escenas que utilizan diversas estrategias para evitar incluir los documentos de Piazzale Loreto.

Mundet Molas, Anna

Treball de Fi de Màster, 2024

Quan vam deixar, realment, de mirar el paisatge? Què ens ha portat fins als paisatges algorítmics que omplen les nostres pantalles a l’actualitat? Aquesta investigació, que forma part d’un procés de creació, traça un recorregut genealògic dels rastres tecnològics del dispositiu en el paisatge en tres punts històrics: des de l’Escola del Riu Hudson i el luminisme nord-americà en el context de la Segona Revolució Industrial, passant per l’ecocinema dels anys 70 en el marc de l’estructuralisme i el materialisme fílmic i acabant amb la intervenció tecnològica en el cinema digital de paisatges amb l’ús del glitch a la dècada del 2010. En tots tres casos, es tracen connexions socials, polítiques i estètiques amb els models generatius de text a imatge per crear paisatges sintètics, entenent que analitzar amb més detall les relacions històriques entre tecnologia, representació visual i paisatge és cabdal per a poder fer front als grans reptes ecològics de les properes dècades.

Blánquez Gálvez, Uryen

Treball de Fi de Màster, 2024

En Imágenes que resisten, Andrea Soto Calderón propone una genealogía por la imagen como método crítico. Partiendo de dicha propuesta, se establecerá en esta investigación un acercamiento en dos partes entre el cine de Howard Hawks y el de Danièle Huillet y Jean-Marie Straub. La primera desarrolla relaciones a nivel conceptual a partir de nociones como las de resistencia o desfiguración, empleadas por Serge Daney y Jacques Rancière respectivamente, mientras que la segunda hace emerger resonancias entre cuatro parejas de películas.

Baella Arsentales, Agustín Mario Francisco

Treball de Fi de Màster, 2024

El presente trabajo de investigación realiza un acercamiento a la representación de lo monstruoso en el cine peruano contemporáneo a partir de las películas Bala perdida (2001), de Aldo Salvini, y Qarqacha, el demonio del incesto (2002), de Mélinton Eusebio. Para ello se analizan conceptos como lo siniestro, lo reprimido y la otredad. Asimismo, se realiza un repaso por la literatura del género fantástico y la historia del cine de terror, para, finalmente, atender el caso del cine peruano. De igual manera, se explora la dimensión política a través de los acontecimientos históricos de violencia, desde la etapa colonial hasta episodios más recientes como el conflicto armado interno, los cuales contextualizan y articulan lo monstruoso en el cine peruano posconflicto.

Goto Uehara, Paula Daniela

Treball de Fi de Màster, 2024

A través de un enfoque que abarca tanto el cine de ficción como el documental, en esta investigación se presentan estrategias narrativas y audiovisuales que diversas cineastas enfocadas en la autorrepresentación han utilizado para representar memorias traumáticas y experiencias personales. El estudio centra su análisis en documentales de Naomi Kawase (Nitsutsumarete [1992], Katatsumori [1994], Kya ka ra ba a [2001], y Tarachime [2006]) y en Aftersun (2023) de Charlotte Wells, desentrañando cómo estas directoras exploran y narran la ausencia de una figura paterna o materna. El objetivo es ofrecer una nueva perspectiva sobre la representación de la memoria y la identidad en el cine, destacando el papel crucial de las cineastas en la reivindicación de sus propias historias y la construcción de complejos paisajes emocionales en sus obras. Esta investigación contribuye al entendimiento del proceso autobiográfico y la importancia de las experiencias femeninas en el ámbito cinematográfico.

Zulueta Martinez, Amets

Treball de Fi de Màster, 2024

Hacia el final de los años 70 Jane Fonda vuelve a Hollywood tras una década de desacomplejada y radical militancia antigubernamental. En muy poco tiempo, su despliegue de desobediencia contra la Guerra de Vietnam había convertido a la actriz en un detestable enemigo público de los Estados Unidos, una traidora a su nación. Este estudio pretende ahondar en el proceso de reconciliación entre Hollywood y la estrella a su vuelta, intentando comprender las condiciones y negociaciones bajo las que tuvo lugar. El análisis sociológico de los modelos de resistencia y una aproximación política en torno a lo gestual guiarán la investigación en busca de una respuesta a la principal cuestión de este estudio: ¿sobrevivió el espíritu subversivo de Jane Fonda a su reconciliación con Hollywood?

González Gómez, Carlota

Treball de Fi de Màster, 2024

El espacio confesional es tan íntimo y privado, como público y expansivo. En su interior se contienen las miradas de escritoras, artistas y cineastas que buscan un lugar en el que expiar sus deseos, miedos, iras, anhelos y traumas. Esta investigación constela un diálogo de imágenes confesionales a través del cual el yo se disuelve en el espacio social. La cineasta en posesión de su cámara decide rodarse a sí misma confesándose, a través de la voz y el gesto revela un diálogo interior, buscando a través de su mirada su contraplano, la audiencia. Esta investigación ahonda en el cine de cineastas independientes cuya identidad forma parte de su discurso, como: Anne-Charlotte Robertson, Saddie Benning, Lynn Hershman, Agnès Varda, Lea Glob, Amalie Rothschild, Ellen Sorren, Louise Alaimo, Judy Smith, Helke Misselwitz, Chick Strand, Vanalyne Green, Chantal Akerman, Barbara Hammer, Xiana do Teixeiro y Leslie Tai.

Gomes Teijelo, Zahira

Treball de Fi de Màster, 2024

En el contenido pornográfico la promesa de realidad de que lo que se está observando es real viene dada por varios elementos. Entre ellos, la piel de las personas implicadas en la acción delante de la cámara, defendemos que es el más importante. En esta investigación se plantea la piel como objeto físico, marcador social y divisor de fetiches. Se muestra, a través de la categoría pornográfica del twink, y otros géneros y tipologías, como la puerta a esa promesa de realidad física pornográfica. Como gran divisor de géneros dentro de la exposición explícita de sexo en pantalla. Y como lienzo principal en el que se vuelcan fantasías e imposiciones capitalistas en la filmación de dicho sexo. Esta investigación tiene una aproximación casi etnográfica de lo que es la piel humana en la pornografía audiovisual contemporánea.

González Rubianes, Helena

Treball de Fi de Màster, 2024

El Alzheimer es una enfermedad que ha sido representada cada vez con más frecuencia desde inicios del siglo XXI en todo tipo de contextos artísticos. Concretamente, en el arte cinematográfico, esta enfermedad suele ser utilizada como hilo conductor para tratar diferentes clases de temáticas, como conflictos familiares, cargas mentales o recuerdos del pasado; pero nunca suele tratarse desde el propio punto de vista de la enfermedad: la confusión, el miedo, la ansiedad... el síntoma en su representación. Es por ello que se tratará de realizar una investigación estética y los resultados serán aplicados a tres métodos representativos, utilizando diferentes materiales, pasando por la pintura, la fotografía, el archivo, el vídeo y la Inteligencia Artificial.

Fuentes Vergara, Paula

Treball de Fi de Màster, 2024

La cuestión de la enfermedad ha estado históricamente relegada a la mirada del “otro”, no obstante, a partir de los años 90s y hasta la actualidad la representación cinematográfica ha encontrado nuevas derivas que permiten situar al sujeto enfermo, aunque al margen de la sociedad, en el centro del discurso. La presente investigación pretende aproximarse a la comprensión de una cierta poética del amor y la enfermedad en primera persona, tomando como objeto de estudio el cine documental autobiográfico de cineastas como Hervé Guibert, Derek Jarman, Joaquim Pinto, Johan van der Keuken, Sue Friedrich, Yvonne Rainer, Jacques Demy o Stephen Dwoskin. A partir de un análisis basado en el cuerpo, el tiempo y la mirada, busco establecer un diálogo de voces corales, de experiencias en torno a la re-conquista y re-construcción del “yo” enfermo. Parto para ello de la obra poética Poesía última de amor e enfermidade de Lois Pereiro.

Ricca, Giuseppe

Treball de Fi de Màster, 2024

El presente trabajo de investigación explora distintas representaciones de la periferia urbana y las dinámicas de una cierta marginalidad social que se le suele asociar. El estudio consistió en construir un atlas de espacios y prácticas suburbanas a través del análisis comparativo – a nivel narrativo y, a la vez, figurativo – de Amore tossico (1983), del director italiano Claudio Caligari, a la luz de las películas quinqui (Navajeros, Colegas, El pico y El pico 2) de Eloy de la Iglesia. El análisis, que se ciñó a un contexto histórico concreto (1980-1984) y se circunscribió geográficamente a Italia y España, permitió destacar varias figuras y motivos visuales significativos. Los estudios de caso han revelado ser paradigmáticos de la realidad social y política de ambos territorios y, en última instancia, han permitido, a través de la deslocalización de la figura del quinqui, ampliar su espectro significativo y representativo.

Luque Muñoz, Manuel

Treball de Fi de Màster, 2023

El live cinema es una práctica que fusiona las artes audiovisuales con las prácticas performativas. Aun estando mediada por las nuevas tecnologías digitales, produce una experiencia colectiva, un momento singular, efímero e irreproducible. Aplicando la idea de pliegue desarrollada por Anna Munster para describir la estética digital a partir del concepto originalmente planteado por Gilles Deleuze, el live cinema se establece como un pliegue digital entre la práctica audiovisual y la actuación en directo. Un pliegue entre el lenguaje cinematográfico tradicional y las nuevas formas de la imagen digital, entre la realidad corpórea y la experiencia estética digital. Este trabajo se desarrolla como una investigación y presenta el desarrollo de una pieza de live cinema que lleva al campo de la práctica los conceptos planteados en la memoria teórica.

Arrébola Concejero, Daniel

Treball de Fi de Màster, 2023

El presente trabajo explora el modus operandi del que se han servido las stars masculinas del star system de Hollywood para sortear la lágrima en pantalla, siendo esta la máxima expresión de una vulnerabilidad emocional masculina reprimida en las películas de estudio. La investigación aborda los años comprendidos entre 1930-1945 y, de esta manera, se exploran una serie de dispositivos estratégicos establecidos entre la llegada del cine sonoro y el final de la II Guerra Mundial que conforman un conjunto de identidad propia reflejado en el film acting de las stars de estudio. A través de los mismos los actores afrontan determinados dilemas narrativos mediante los cuales se camufla o restringe la plena manifestación del proceso lacrimógeno en pantalla.

Barathova Unzurrunzaga, Nora

Treball de Fi de Màster, 2023

En el marco de la Nueva Ola Checoslovaca (1962-1970) surgió un cine estética y narrativamente exuberante que contó con la aparición de obras vanguardistas únicas como Sedmikrásky (Las margaritas, 1966) de Věra Chytilová o Vtać̌kovia, siroty a blaźni (Pájaros, huérfanos y locos, 1969) de Juraj Jakubisko, entre otras. En las atmósferas oníricas, absurdas y repletas de detalles de estas películas surgen personajes femeninos singulares, subversivos y con características emancipadoras. Esta investigación pretende aproximarse a esta representación femenina a partir de tres ópticas: la naturaleza, el hambre y el humor. Se trata de tres vías que abrirán camino a la exploración, el debate y la construcción de mapas visuales alrededor de la representación de los personajes femeninos de lo que hemos denominado “la ola exuberante”.

Montoro Portales, Amanda

Treball de Fi de Màster, 2023

La presente investigación tiene como objetivo establecer un estudio aplicado que plantee el ensayo audiovisual como catalizador de tesis contemporáneas alternas, enfocando el análisis discursivo en la enfermedad mental y su relación con los estudios políticos de género. Empleando simultáneamente una lectura filmográfica e historiográfica del recorrido de los cuerpos patologizados en Occidente, se procura rescatar aquellos enfoques descentralizados presentes en sus metodologías con el propósito de emplearlos en el análisis y posterior composición de espacios ensayísticos experimentales. Mediante los cuales las imágenes puedan emerger como núcleo activo donde la política, la cinematografía y el arte colisionen para narrar escisiones que persigan activar horizontes regenerados donde los formatos representativos rompan con las prácticas de observación, objetivación y castigo existentes en modelos cinematográficos, sociales o médicos.

Santos López, Víctor

Treball de Fi de Màster, 2023

Este trabajo tiene como objetivo establecer un recorrido sobre la no- representación de la guerra civil en el melodrama español de la autarquía. Es decir, de qué modo el acontecimiento se inscribe en el texto al quedar prohibido representarlo explícitamente. En constante diálogo con otras artes, trataremos de rastrear las huellas de ese fantasma ampliando el campo de búsqueda a la naturaleza de los espacios residuales. A través de un análisis figural y discursivo encontraremos cómo en sus aspectos más discretos, el cine puede convertirse en un espacio de resistencia política y estética.

Trias Alguacil, Mireia

Treball final de màster, 2022

El monstre femení encarna un model de significació concreta, un model estètic i figuratiu d’expressió i representació de la feminitat basat en l’abjecció del seu cos, un concepte discursiu latent sobre la construcció social de la dona. Quan les autores articulen aquesta figuració semblen oferir noves perspectives de gènere i de la monstruositat, sobretot pel que fa al punt de vista íntim i intern de les seves experiències corporals, desitjos i pensaments. Partint de l’arquetip del monstre femení, analitzarem com les autores i directores activen els motius propis d’aquesta figura per transgredir- los i subvertir-los i, així, proposar noves contra-subjectivitats, formes d’experiència femenina o identitats dissidents. Sobre la base de l’esdevenir deleuzià, i mitjançant les propostes nomadològiques i posthumanes del subjecte de Rosi Braidotti, com serà la figuració del cíborg de Donna Haraway, observarem com la liminaritat i abjecció inherent del monstre femení li permeten obrir punts de fuga per proposar noves formes d’experimentar una subjectivitat encarnada, nòmade i polimorfa.

Villarmea Sancho, Alba

Treball final de màster, 2022

La vida campesina ha sido un motivo visual recurrente en el continente europeo desde que se popularizaron sus representaciones pictóricas en el siglo XVIII. Durante tres siglos, diferentes formas de arte se han interesado por lo rural y sus habitantes como reacción a transformaciones socioeconómicas que han puesto en peligro las formas de vida del continente. La representación campesina, sin embargo, ha sido ambivalente moviéndose entre las imágenes nostálgicas y la vinculación de lo rural como símbolo del atraso. Tras la Segunda Guerra Mundial una serie de cineastas en Europa llevan a cabo proyectos que se interesan por el campesinado tratando de encontrar maneras más honestas de documentar sus vidas, pero sin deshacerse por completo de los arquetipos representacionales o de las metodologías de trabajo previas. En el siguiente texto analizaremos estas nuevas imágenes buscando la potencial aparición de espacios que posibiliten la emergencia de la subjetividad campesina, como individualidad, identidad y autonomía.

Zanoguera Sastre, Maria Antonia

Treball final de màster, 2022

Durant la segona dècada del segle XXI es viu una eclosió de la comèdia creada i protagonitzada per dones a les pantalles mainstream. A través del dispositiu de la paròdia musical ens aproparem als símptomes que, en aquest context d’aparent predisposició -social, creativa, industrial- a una mirada femenina i diversa, semblen apuntar a una transició en el terreny de la comèdia televisiva. Recolzats per les contribucions en el marc de la teoria dels afectes i a través de l’estudi de cas de la sèrie Crazy Ex-Girlfriend, explorarem la relació que podria donar-se entre la reconfiguració de l’espai emocional i la seva transfiguració en formes i narratives que apel·len a la disrupció. Dins del preestablert, s’escola la disconformitat, la confusió i la celebració per les possibilitats d’un nou horitzó.

Febrer Gallifa, Adrià

Treball final de màster, 2022

El present text proposa una aproximació al cinema xinès contemporani amb l’objectiu d’analitzar com molts directors i directores plasmen l’espai que sorgeix arran de la demolició del passat i que es manté permanentment allunyat d’un futur utòpic desitjat per bona part de la població xinesa. L’abordatge d’aquest espai situat entre dues fases i els subjectes que s’hi troben es fa principalment a partir de l’antropologia i de les teories relatives a la fase liminar dels ritus de pas. Així doncs, es posa èmfasi tant en els espais liminars —que presenten motius visuals característics del cinema de la Generació Urbana— com en els subjectes que hi transiten, configurats com a éssers liminars a partir de qüestions com el malestar, la incomunicació, el deambular, les desaparicions o el retorn a un estat primitiu a través de la violència.

Yáñez Murillo, Manu

Treball final de màster, 2022

En el cine europeo contemporáneo, proliferan las películas que, a través de anacronismos y alegorías, sustraen sus relatos de un territorio de concreción histórica, proponiendo una suerte de pliegue del pasado sobre el presente, y viceversa. Mediante esta superposición de tiempos históricos, películas como En tránsito del alemán Christian Petzold y Martin Eden del italiano Pietro Marcello rastrean los orígenes de diferentes lacras sociales que afectan en la actualidad al continente europeo, desde la persecución policial de la inmigración ilegal a la eclosión de una crisis moral que ha dado pie al florecimiento de nuevos populismos de ultraderecha. Para analizar el vigor expresivo y la dimensión política de estas películas, el presente trabajo ahonda en el acercamiento teórico a los conceptos de anacronismo y alegoría realizado por pensadores y cineastas como Walter Benjamin, Georges Didi-Huberman, Jacques Rancière, Gilles Deleuze, Pier Paolo Pasolini y Artavazd Pelešjan.

Martínez Masanet, Germán

Treball final de màster, 2022

En la historia del cine no se ha prestado la suficiente atención a las películas con una estructura partida o fracturada. Este subgénero cinematográfico reclama una genealogía propia, proviniente de la literatura y las artes iconológicas, y una fenomenología de su recepción. Las películas de este ensayo muestran cómo el arte fílmico puede ser eminentemente plástico, que una película puede albergar múltiples estructuras coexistentes al mismo tiempo, la manera en que la cámara puede figurar una metamorfosis/reencarnación o que los traumas del relato y la Historia pueden asimismo afectar a la forma de la narración. Finalmente, este tipo de estructuras desbordarán todo anclaje estructural convirtiéndose en el origen de relatos fragmentarios, rizomáticos o de las formas de lo negativo.

Watlington-Betancourt, Nicole Alexandra

Treball final de màster, 2022

This essay shows how notions of exile are sonically presented in three classical Hollywood films categorized under German exile cinema. Through critical analysis and deconstruction of the soundscape, sound effects, the use of noise and silence, the power  of the voice, and music as a weapon to recover the past, this research demonstrates how the exilic elements do not stop at the visual and thematic. Furthermore, it studies how sound channels pessimistic and nostalgic components in particular audiovisual works by directors, writers, and intellectuals who migrated to the United States during World War II.

Cano Royo, Ferran

Treball final de màster, 2022

Als anys noranta, el Japó va entrar en una gran crisis econòmica, social i moral. Amb la seva arribada, el perfil de masculinitat hegemònica fins el moment, la del salaryman, va començar a perdre força i el jovent ja no confiava en allò que fins el moment havia significat seguir el seu rol. Fins aquell moment, el shōnen manga, la demografia més popular de la vinyeta japonesa i llegida principalment per nois d’entre 12 i 17 anys, sempre havia presentat un heroi estereotipat amb els trets de masculinitat que comportava l’hegemonia del salaryman. Però, amb la pèrdua de força d’aquest rol de gènere, començant a sorgir nous punts de vista dins del shōnen manga que redefiniran el concepte de masculinitat, representaran més varietat de gèneres i desafiaran el discurs hegemònic fal·locèntric.

Alves Graça, Diogo

Treball final de màster, 2022

¿De qué manera el oráculo reconfigura la estructura narrativa referencial de principio, medio y fin? Partiendo de los conceptos de configuración narrativa de Paul Ricoeur y de ilusión oracular de Clément Rosset, así como de un conjunto de obras (audiovisuales) que utilizan el dispositivo oracular en sus más variadas modalidades, la presente investigación propone una taxonomía de 3 grandes modelos de configuración oracular y sistematiza 7 propiedades filosófico-narratológicas invocadas por el oráculo como dispositivo narrativo. También presenta la miniserie Watchmen (2019) como estudio de caso y ejemplo paradigmático de estas 7 dinámicas argumentales activadas por el oráculo.

Blanco Portals, Sebastián

Treball final de màster, 2022

La presente investigación explora la evolución del potencial del cine queer para subvertir las estructuras de la realidad normativa durante las tres décadas previas al cambio de milenio, que trajo consigo la asimilación de la contracultura LGTBIQ+ por parte del sistema neoliberal de consumo, y que abarcan aproximadamente desde los Disturbios de Stonewall hasta el pico de la pandemia del VIH. Mediante la aproximación a tres figuras fundamentales del cine queer occidental de esos años –Pasolini, Fassbinder y Jarman–, y, específicamente, al último film de cada uno de ellos –Salò o los 120 días de Sodoma (1975), Querelle (Un pacto con el diablo) (1982) y Blue (1993), respectivamente–, este estudio tratará de aprehender ciertos rasgos comunes, tanto temáticos como formales, a menudo ligados al concepto de abyección presente en la obra de Jean Genet y desarrollado por Julia Kristeva, a fin de desenterrar los impulsos de transgresión latentes que parecen haber desaparecido en el camino de la normalización.

Monsell, Pilar

Treball de Fi de Màster, 2021

War Brides (1916), una película feminista y pacifista desaparecida en 1917 de enorme éxito en los años previos a la entrada de EEUU en la primera guerra mundial recogió los gestos de resistencia de la actriz rusa Alla Nazimova. Buscando recuperar la fuerza de aquellas imágenes perdidas, nos desplazamos entre los gestos de resistencia femenina de la primera ola del movimiento feminista, un periodo en el que nacimiento de la cultura sufragista estuvo marcado por una enorme creatividad y experimentación de los métodos dramáticos como nuevas prácticas de visibilización de la lucha. Pero la entrada en la guerra marca el fin de ciclo de la primera ola feminista, situando además el sentido que nuestra investigación propone para War Brides: una película que cierra la fase creativa y que es a su vez la huella de su culminación.

Balcells Vela, Ramon

Treball final de màster, 2021

El cine de Pere Portabella no se puede entender sin el vínculo con la realidad. Es decir, sin el contexto político, social y cultural de cada momento histórico. Pero tampoco –y ahí reside el propósito de esta investigación-, sin el vínculo con la realidad física y pasajera de la vida cotidiana: aquello que muchas veces el cine institucional –y quizás nosotros mismos- suele pasar por alto. Bajo esta premisa, el ensayo toma como punto de partida tres momentos concretos del cine de Portabella para explorar posibles miradas de lo cotidiano: la crítica, la materialista y la poética. Tres caminos que, sin embargo, no debemos entender de forma aislada, sino que se yuxtaponen, dialogan con múltiples artistas y atraviesan distintos tiempos. ¿Qué ocurre en una película cuando no pasa nada? ¿De qué maneras lo cotidiano llega a trascender lo anecdótico? ¿Puede el cine reflejar lo político a través de lo infraordinario?

Guardiola Rius, Adrià

Treball final de màster, 2021

En 2001, Béla Tarr plasmó, en las Armonías de Werckmeister, la llegada de un gran Circo, junto con un Príncipe y el cadáver de una enorme ballena disecada. Una imagen icónica, en blanco y negro, que contribuyó al reconocimiento del cineasta húngaro como faro de la modernidad. Casi medio siglo antes, en plena dictadura franquista, las cámaras del NO-DO capturaron, en 1954, la llegada de una ballena gigante a las calles de Madrid. El registro, aunque bajo la formulación documental, parece invocar los mismos caracteres y una narrativa en común: la España de lo pintoresco como Circo, el Dictador Francisco Franco como Príncipe y la ballena en ambas propuestas narrativas. En este trabajo se pretende analizar, comparativamente, las dos propuestas cinematográficas —aparentemente antitéticas— unidas bajo un mismo motivo visual: el cadáver de la ballena, el cadáver del Leviatán. Por un lado, como expresión de la melancolía de izquierdas (a partir del concepto de W. Benjamin); por el otro, como prueba irrefutable de la victoria final.

Ariadna Cordal García

Treball de fi de Màster, 2021

¿Qué resultados derivan de una ideología de dominio masculino sobre la máquina? ¿Cómo se puede relacionar con la acción humana sobre la naturaleza? Si nos fijamos en el cine contemporáneo estadounidense, el análisis ecofeminista de películas de dominio petro- masculino es una instancia descubridora de un pensamiento avaricioso sobre la naturaleza que puede contraponerse a otra tendencia donde se la representa idílica, desde la nostalgia. La historia del ferrocarril y la frontera móvil de la nación americana palpitan alrededor de estos temas y permanecen, junto al western, como ruinas sobre las que se establecen los personajes y los paisajes de las filmografías de Paul Thomas Anderson, Terrence Malick y Kelly Reichardt. El estudio de sus visiones es revelador de cara a entender las vigencias y resistencias al abuso de poder tecno-masculino.

Gávez Blázquez, Alma

Treball de Fi de Màster, 2021

Confesarse frente al público se ha convertido en un gesto sintomático de gran parte del audiovisual contemporáneo. El presente trabajo busca ahondar en las razones que han propiciado el carácter confesional de la imagen. Partiendo del ensayo La Confesión: Género Literario, de María Zambrano, se establece una genealogía a través de diferentes obras creadas por mujeres que han utilizado este gesto para explicitar los pensamientos y vivencias de sus protagonistas a partir de cuatro formatos: el diario, el ensayo audiovisual, la stand-up comedy y la ficción televisiva contemporánea.

Azparren Lucas, Marta

Treball de fi de Màster, 2021

Cine ciego investiga la relación entre los cambios de régimen escópicos y políticos con la interrupción del flujo de imágenes, en concreto la pantalla sin imagen. Mostrar la ceguera, la monocromia, el intervalo de la pausa en todos los aspectos de la recepción estética: la poiesis (creación), aiesthesis (recepción) y katharsis (reacción). A través de cuatro colores y cuatro creadores/a de imágenes: blanco, el/la artista ciego/a, Jean Luc Godard (ceguera por sobreexposición); negro, la obra monocroma, Marguerite Duras (ceguera por ausencia/deseo); rojo, el/la espectador/a ciego/a, Harun Farocki (la pantalla previa a la revolución escópica) y azul, la pausa de la epojé, Derek Jarman (el virus como detención), se analiza de qué modo es necesaria una cierta dosis de ceguera para cambiar el registro de las imágenes del acontecimiento en la sobreexposición vírica actual y cómo la ausencia de imagen devuelve al espectador/a emancipado una consciencia hacia la acción.

Sánchez Manzano, Miriam

Treball de Fi de Màster, 2021

La menstruación es una realidad, un hecho tangible, que se puede ver, tocar y sentir; un fluido producido por el cuerpo. Pero a pesar de su materialidad, pocas son las imágenes que tenemos de ella. Este trabajo tiene la voluntad de recuperar su imagen en la ficción audiovisual, poniendo en diálogo aquellas películas y series de televisión que acercan de forma explícita la sangre menstrual a un primer plano. Mediante un análisis iconográfico se dota a la sangre menstrual de un valor estético, transgrediendo su condición abyecta para articular un escenario figurativo en el que el cuerpo femenino se desgarra y se desborda como resistencia. Una resistencia que pone en cuestionamiento la diferencia sexual y los códigos patriarcales asentados en la historia de nuestras imágenes.

Babal, Hande

Treball de fi de Màster, 2021

In the everlasting process of technology becoming an inseparable part of human lives, the definition of ‘being human’ has been altering accordingly. This change, more than a simple dystopian society captured by technology, refers to the coalescence of technology and human as a new subject ‘beyond’ the human. Canadian filmmaker David Cronenberg is telling stories of human evolution that modern man has seized control of and the complex relationship of this evolution within his triangle of consumption, body, and technology in his movies. Cronenberg’s cinema was mainly focused on the bodily transformation of modern man by diseases, especially in the early period of his cinema; giving the notion of ‘disease’ that humanity is obsessed with today -an exceptional meaning. Besides, he makes a comeback to this philosophical infrastructure with his first novel Consumed (2014). As a result of this bodily transformation, the term ‘new flesh’ emerged in the middle of the consumption, body, and technology triangle. In this comparative study, Cronenberg’s ‘new flesh’ concept which refers becoming of technology and body, and diseases as a mediator between the ‘old’ and ‘new’ flesh in his cinema will be examined in the light of contemporary cultural studies since it would be a pathfinder to understand the digital cinema which is the ‘new flesh’ of contemporary cinema.

Enara Garcia Elkoroaristizabal

Treball de fi de Màster, 2021

La concepción del hogar, vinculada al cuerpo femenino que lo habita, ha creado una imagen rígida de la domesticidad. En este trabajo proponemos un viaje nómada sin desplazarnos del hábitat, planteando los principios para una reconceptualización de las nociones «hogar» y «figuración femenina» a partir de las particularidades de la imagen en movimiento. Iniciamos el recorrido en el cine experimental desarrollado por mujeres cineastas de los años 60-70, en el transcurso liminal entre la modernidad y la posmodernidad, en un periodo transitorio hacia una redefinición de los estándares espacio, tiempo y cuerpo. Entendiendo que habitar un hogar es también pensar desde el cuerpo y comenzar cualquier significación desde él, nos parece encontrar en las obras de Carolee Schneemann, Anne-Charlotte Robertson y Gunvor Nelson, lugares desechos de cualquier fundamento estable en favor de formaciones en constante cambio.

Romero Otero, Sara

Treball de fi de Máster, 2021

La presente investigación pretende analizar cómo la construcción de la feminidad en la ficción audiovisual contemporánea se ha visto afectada por el contexto creativo del #MeToo y la cuarta ola del feminismo, en particular en su relación con la representación estética y política de los entornos urbanos e históricos en los que se desarrolla. A partir del estudio de tres casos contemporáneos, se pretende analizar cómo sus protagonistas, insertas en un periodo histórico concreto, dejan a un lado la pasividad característica de la mujer-víctima en el period drama tradicional para constituirse como sujetos políticos y, en definitiva, convertirse en agentes de la historia —tanto en mayúscula como en minúscula— que el artefacto televisivo pretende narrar.

Sumi Im

Treball de fi de Màster, 2021

El presente trabajo tiene como finalidad analizar a los creadores de la habitación, mediante el concepto de Flâneur de Walter Benjamnin, desde su dialéctica de la mirada a través de la “ventana”, reintepretada en los medios actuales. Esta investigación traza un recorrido en dos partes. La primera, analiza la exploración de los directores de cine, reflejados en las imágenes que ven desde la ventana de su habitación. La segunda parte, indaga el concepto de Flâneur digital, conectando las imágenes de su habitación, el cine y Youtube, examinando lo que (no)revelan desde la ventana de su habitación.

Dana Najlis

Treball de fi de Màster, 2021

Este estudio propone un análisis de la cinematografía de Jean-Claude Brisseau a partir del concepto de aparición y del cuerpo femenino desnudo como apertura y aproximación a la visibilización de lo invisible. La desnudez femenina se presenta como la vía de acceso a otra realidad, no separada de la ya conocida, sino una realidad integrada, modificada, que se hace visible a través del cuerpo; pero que, sin embargo, supone un enigma que permanece siempre fuera de cuadro. La ambigüedad del cuerpo erótico en el cine de Brisseau se funda en el simulacro como herramienta de seducción, lo que nos permite concebir al erotismo en su condición trágica y universal. Es a partir de allí que este cineasta problematiza la estructura de una realidad regida por la violencia de las pasiones humanas, la lucha de clases, la ambición de poder y el deseo.

Alcover Pujol, Yago

Treball final de màster, 2021

Este trabajo aborda desde tres vías distintas de aproximación el motivo visual de la desintegración de las imágenes en distintas prácticas del cine de vanguardia. Buscando el diálogo con la pintura y otras formas artísticas a través de metodologías próximas a la genealogía y el atlas visual, nos aproximamos al modo en que este motivo, más allá de ser un gesto recurrente y un marco referencial que reaparece constantemente en el siglo XX, es también un modo micropolítico. En él resuena una posición de resistencia en la imagen contemporánea. Esa que es fruto de una visión enfrentada a las lógicas imperantes de los archivos digitales y la algoritmia de la similitud.

Antonio Miguel Villalba Ríos

Treball de fi de Màster, 2021

La presente investigación aborda la conflictiva relación del actor con el medio cinematográfico. El centro del estudio se sitúa en la volun- tad creativa del actor, así como en el origen teatral de su técnica inter- pretativa. La composición de la imagen cinematográfica es puesta en cuestión a partir de la experiencia del actor, prestando atención a las particularidades de su pensamiento. Estas premisas se despliegan en un recorrido analítico por el cine de Tsai Ming-liang, el cual ofrece una mirada depurada sobre la escena cinematográfica y las posibilidades del actor para con ella. Una forma primitiva de la representación cinemato- gráfica, que pone en su centro al pensamiento actoral.

Blanco Mestre, Ferran 

Treball de fi de Màster, 2021

Aquest assaig pretén evidenciar i delimitar la particular “poètica de la terra” present i desenvolupada al llarg de la filmografia d'Andrei Tarkovski a partir de la reapropiació de determinats conceptes del pensament de Martin Heidegger i Gaston Bachelard per oferir un anàlisi estètico-filosòfic de l'obra fílmica professional del cineasta. En la part inicial del treball, s'aborda la seva primera pel·lícula, La infància d'Ivan (Ivànovo detstvo, 1962), per apuntalar metodològicament el text i introduir la hipòtesi; en el desenvolupament de la investigació, s'estudien les sis restants i es proposa demostrar que el discurs que les mena es fonamenta progressivament en la problematització de l'”habitar”, tal i com es defineix des de la base bibliogràfica apuntada. En la tercera part, s'estudia el darrer episodi d'Andrei Rubliov (1966) per dirimir a partir d'aquest la concepció estètica de Tarkovski i relacionar-la amb l'anàlisi previ i la seva labor cinematogràfica, que concep artística.

Aniol Costa-Pau Bover

Treball de fi de Màster, 2021

Una de les idees que David Lynch aborda a Twin Peaks: The Return és la frontera difusa entre les limitacions de la realitat i les possibilitats de la ficció. Un cas paradigmàtic n’és el de Laura Palmer, perquè, tot i que des de l’episodi pilot apareix com un cadàver absent, sobretot en aquesta tercera temporada s’imagina l’alternativa en què la jove no mor, sense saber del cert si és real o fictícia. A més, aquesta és una temàtica potentíssima perquè no només apunta a l’argument de la narració sinó que es refereix a la mateixa naturalesa de la sèrie com a creació de ficció. La investigació, doncs, es centra en com Twin Peaks 3 transita els límits confusos entre els esdeveniments suposadament reals i els somnis, fantasies o il·lusions, per reflexionar, en últim terme, sobre les possibilitats de les imatges i la seva correlació amb les mancances del món real.

Alves Graça, Diogo

Treball de fi de Màster, 2022

¿De qué modo el oráculo reconfigura la estructura narrativa referencial de principio, medio y fin? Partiendo de los conceptos de configuración narrativa de Paul Ricoeur y de ilusión oracular de Clément Rosset, así como de un conjunto de obras (audiovisuales) que utilizan el dispositivo oracular en sus más variadas modalidades, la presente investigación propone una taxonomía de 3 grandes modelos de configuración oracular y sistematiza 7 propiedades filosófico-nar. También presenta la miniserie Watchmen (2019) como estudio de caso y ejemplo paradigmático de estas 7 dinámicas argumentales activadas por el oráculo.

Helena González Rubianes

Treball de fi de Màster, 2024

La cuestión de la enfermedad ha estado históricamente relegada a la mirada del “otro”, no obstante, a partir de los años 90s y hasta la actualidad la representación cinematográfica ha encontrado nuevas derivas que permiten situar al sujeto enfermo, aunque al margen de la sociedad, en el centro del discurso. La presente investigación pretende aproximarse a la comprensión de una cierta poética del amor y la enfermedad en primera persona, tomando como objeto de estudio el cine documental autobiográfico de cineastas como Hervé Guibert, Derek Jarman, Joaquim Pinto, Johan van der Keuken, Sue Friedrich, Yvonne Rainer, Jacques Demy o Stephen Dwoskin. A partir de un análisis basado en el cuerpo, el tiempo y la mirada, busco establecer un diálogo de voces corales, de experiencias en torno a la re-conquista y re-construcción del “yo” enfermo. Parto para ello de la obra poética Poesía última de amor e enfermidade de Lois Pereiro.

Daniel Belenguer Guerrero

Treball de Fi de Màster, 2021

La melancolía de izquierdas, como un sentimiento particular y esquivo, ha condicionado la imaginación utópica durante todo el siglo XX hasta llegar, en un proceso repleto de mutaciones, a una contemporaneidad donde el pensamiento político, cada vez, parece tener menos defensas para resistir a este temperamento tan particular. La investigación se centra en las afinidades entre la melancolía y la figura del espectro para dilucidar, a través de una exploración de un corpus teórico que reflexiona sobre la potencialidad del trabajo con las imágenes, una solución y un remedio a esta afección. El trabajo, más allá de centrarse en las vicisitudes de ese desarrollo teórico antes comentado, indaga en la aplicación de esta teoría a través de la obra de tres cineastas marcados por un abordaje del pensamiento utópico en relación con la melancolía: Bernardo Bertolucci, Philippe Garrel y Olivier Assayas.

Cancela López, Nuria 

Treball de fi de Màster, 2021

La femme fatale, como arquetipo que remite a la seducción y a la fatalidad, parece de problemática existencia en una cinematografía con censura moral como la franquista. Mediante la metodología de los star studies bajo la perspectiva de género, en este estudio se analizan las características de la mujer fatal española en la cinematografía de la década de los 50. La referencia mítica en gestualidad e iconografía, junto a otras características como la influencia de la femme fatale norteamericana, crea un arquetipo ambiguo que, a pesar de ser penalizado, muestra una mujer con fortaleza y rol activo que difiere del modelo femenino ideal propugnado por el régimen.

Hoyos Morales, Alfonso Antonio 

Treball de fi de Màster, 2021

A partir del concepto de modelo bressoniano, el presente trabajo pretende hacer un repaso a la idea de erotismo y trascendencia en el cine. Más allá de la función dentro de un conjunto lingüístico, el concepto de modelo atiende al misterio de la figura cinematográfica y a la imposibilidad misma de esta de ser asumida a un conjunto discursivo dentro del todo del film. A partir de la puesta teórica y ejemplificación de cómo opera dicha figura en Bresson, acudiremos a otros autores con los que desplegamos la forma de comprender los conceptos de eros y trascendencia en un sentido figurativo. Sin una pretensión histórica, el presente trabajo intenta desplegar el concepto de modelo a partir de diferentes formas de expresión del mismo, en diferentes situaciones y en diferentes artistas.

Romero Otero, Sara

Treball de fi de Màster, 2021

La presente investigación pretende analizar cómo la construcción de la feminidad en la ficción audiovisual contemporánea se ha visto afectada por el contexto creativo del #MeToo y la cuarta ola del feminismo, en particular en su relación con la representación estética y política de los entornos urbanos e históricos en los que se desarrolla. A partir del estudio de tres casos contemporáneos, se pretende analizar cómo sus protagonistas, insertas en un periodo histórico concreto, dejan a un lado la pasividad característica de la mujer-víctima en el period drama tradicional para constituirse como sujetos políticos y, en definitiva, convertirse en agentes de la historia —tanto en mayúscula como en minúscula— que el artefacto televisivo pretende narrar.

Mesa Echavarría, Martín

Treball de fi de Màster, 2021

Los motivos visuales han sido trasladados desde la imagen estática de lo pictórico a la imagen en movimiento del cine, lo que ocasiona que sea vean modificados y re-construidos cada vez que son puestos en escena en una película. Esta investigación se dedica a observar y teorizar las apariciones del motivo visual del descendimiento de Cristo de la cruz dentro del cine, centrándose no solamente en sus apariciones explícitas, con Cristo como personaje protagonista del episodio, sino también sus apariciones alegóricas, en las que ya no se trata de Jesús, sino de otro personaje que emula el sacrificio cristiano y que por lo tanto se hace objeto de una escena de descendimiento que retiene la esencia del episodio evangélico.

Torres Criado, Pol 

Treball de fi de Màster, 2021

Esta investigación recoge un recorrido visual y figurativo a partir de las diferentes representaciones que ha tenido el héroe astronáutico a lo largo de medio siglo de historia cinematográfica. Con la imagen nuclear de 2001. A Space Odyssey como referente capital, se pretende analizar la figura cultural y masculina del astronauta en relación con su iconografía mítica y su horizonte de expectativas. En la primera parte del estudio, y tomando como referencia el régimen de las imágenes establecido por Gilbert Durand, propongo la distinción entre la visión hegemónica del astronauta en su vertiente de acción diurna –basado en la teoría nietzscheana del Superhombre y la voluntad de poder- y el desarrollo de la figura narcisista del astronauta nocturno, vinculado a un imaginario cristiano del duelo, la expiación y la revelación epifanica. Como último punto, planteo la reproducción de un nuevo modelo de héroe solarístico, de halo trágico e inercia introspectiva, resultado de la crisis emocional del hombre y del colapso discursivo de un género, la odisea espacial, disonante con el clima sociocultural de la contemporaneidad.

Lai, Yi 

Treball de fi de Màster, 2020

El presente trabajo investiga el vacío que se atraviesa en la imagen cinematográfica con el fin de renunciar a la legibilidad exacta y rígida, y de llegar a la plenitud en la expresión e interpretación. Se basa en la teoría de Gilles Deleuze sobre la imagen tiempo y los estudios chinos sobre el vacío de François Cheng y de François Jullien. Por medio del vacío que se abre camino en el espacio y en la acción, la imagen obtiene la flexibilidad de vincularse con todo contenido y de transformarse entre distintos tiempos-espacio. En otros casos, con el vacío materializado en el silencio y el estado de devenir del personaje, la expresión emocional y la percepción humana se hace viva, flexible y plena. La discontinuidad y la vinculación irracional entre imágenes corresponde al estado de vida bajo el contexto posmoderno, con respecto al tiempo fugitivo, el espacio discontinuo y lo cotidiano. Como consecuencia, el vacío se destinará a la aproximación a la realidad confusa y fragmentaria, la inclusividad y la transformación flexible, y la reflexión sobre la posmodernidad.

Lamoso Mateus, Anike 

Treball de fi de Màster, 2020

El horizonte estético del cine contemporáneo está siendo marcado por el retorno a una meditación acerca del tiempo como experiencia espectatorial. Este fenómeno se ha construido en buena medida alrededor del empleo del plano-secuencia como dispositivo productor de temporalidades que se relacionan no sólo con el ritmo interno de la película, sino también con la creación de vínculos perceptivos en el espectador. En la presente tesis buscamos establecer una taxonomía fluida de temporalidades que construya una primera propuesta acerca de las potencialidades del plano-secuencia para el tratamiento temporal. A la luz de esta taxonomía, identificamos una serie de producciones contemporáneas que hacen uso de la dilatación temporal y la continuidad como herramienta para que emerjan sensaciones o estados mentales en el espectador; y, por otro, un conjunto de películas en las que se establece un discurso explícito acerca de su propia dimensión temporal.

Díaz Garcés, Elisenda

Treball de fi de Màster, 2020

Este estudio pretende comprender cómo el cine se aproxima al proceso de creación artístico a partir de la repetición y la diferencia. Las películas escogidas responden a una voluntad por la que trasladar al espectador una experiencia creativa vehiculada por la exploración de potencialidades de una obra y el constante ejercicio de repetir, retomar, probar y variar los elementos artísticos. Se propone una lectura de las diferentes repeticiones que el lenguaje cinematográfico permite una vez el cine nos sitúa en el terreno de la répétition, ensayo en francés; el diferir en el interior del mismo plano o la repetición de una imagen idéntica. Todas estas repeticiones que abren la identidad y unidad de la obra imposibilitan la linealidad de la visión apostando por una percepción de la différance; experiencia que nos sitúa del lado del espectador.

Benítez López, Samuel

Treball de fi de Màster, 2020

¿Cómo podemos abordar la corporalización de lo divino a partir de la imagen? Adentrarnos en el levantamiento del cuerpo es aproximarnos a la representación de uno de los episodios más importantes de la cultura religiosa cristiana. El vacío del sepulcro prima en las escrituras bíblicas a la hora de representar el motivo. Sin embargo, su importancia a nivel cultural constituye el cuerpo del desaparecido como una problemática recurrente a lo largo de la historia del arte. Así, la lectura a contrapelo que realiza Nancy sobre la condición de milagro y la interrelación entre corporalidad y levantamiento nos permite trazar un camino de relectura de imágenes, conformando una historiografía propia a través del motivo del levantamiento del cuerpo y su relación con la imagen fílmica. Este escrito versa, pues, sobre la vinculación entre la concepción corporal y la idea de medio como característica intrínseca para la representación del motivo del levantamiento del cuerpo.

Calvo Gens, Laura

Treball de fi de Màster, 2020

Aparicio Martí, Adrià

Treball de fi de Màster, 2018

En plena època del capitalisme tardà res escapa a la separació entre allò sagrat i allò profà, estructura essencial de tota religió. Els mecanismes econòmics de valor de les mercaderies esdevenen anàlegs a aquesta lògica religiosa augmentant d’aquesta manera la seva plusvàlua a un nivell de naturalesa sagrada. Tal transcendència divina té com a conseqüència que l’ús de qualsevol objecte esdevingui inabastable per l’ésser humà si no és mitjançant un ritual, generalment econòmic, social o cultural. Tal distància converteix qualsevol capacitat de fer experiència en quelcom impossible. La resposta política vers això és el joc, que redefineix Jacques Tati a Playtime (1967), en tant que gest que arrenca al dispositiu del capitalisme religiós allò que ha capturat del món dels humans. S’esdevé una profanació, única alternativa d’abolir els medis imposats per allò sagrat.

Barranco Navea, Mario 

Treball de fi de Màster, 2018

El trabajo es un análisis del papel que juega la frecuencia umbral o frame-rate en el cuerpo monstruoso contemporáneo. En este sentido, se proponen claves hermenéuticas para pensar nuevos límites de lo representable, a partir de la estructuración del concepto de “metáfora medial” o mitofísica del medio. Se reflexionan las condiciones temporales del monstruo desde distintos periodos cinematográficos y se analiza, con especial detenimiento, la evolución del mito de Jekyll y Hyde, desde el cine primitivo hasta sus versiones posmodernas y cibergóticas.

Varela Rodríguez, Antón

Treball de fi de Màster, 2018

La novela Ladrones de cuerpos de Jack Finney (1953) narra el episodio de un pueblo cuyos habitantes son suplantados uno a uno por alienígenas. Esta obra de gran fecundidad hermenéutica ha producido además cuatro adaptaciones cinematográficas hasta la fecha de las que la más conocida es La invasión de los ladrones de cuerpos de Don Siegel (1956). En este trabajo analizamos dichos títulos partiendo de dos hipótesis: (1) el proceso de suplantación de los body snatchers es análogo a la emergencia de la imagen cinematográfica y (2) los protagonistas de la saga son análogos a los espectadores. Examinaremos las obras antes citadas a la luz de estas analogías y a través de ellas intentaremos probar que tanto la novela de Finney como sus adaptaciones al cine, constituyen lúcidas reflexiones sobre la naturaleza fantasmagórica de la imagen.

da Silva Diefenthaeler, Samantha

Treball de fi de Màster, 2018

Este trabajo plantea un nuevo punto de partida para el heroísmo femenino contemporáneo. Siendo el mito de Pentesilea, gran reina amazona, su imagen capital. Será justamente el derrumbe del poder femenino el que nos auxiliará en la búsqueda de nuevos desvíos arquetípicos. En estas páginas hay un constante intento de hacer visible una lejanía que trasciende las imágenes, a partir de la mitología y del imaginario. Un rastreo de un momento del pasado para entender el presente. Sobre todo, ésta es una investigación centrada en el cine y en sus respectivas configuraciones contemporáneas de un heroísmo ascensional femenino.

Vargas Alvarado, Jaime Andrés 

Treball de fi de Màster, 2018

Designar y fijar la identidad y la figura del otro, es una de las obsesiones de Occidente. Durante los siglos XV y XVI, fue puesto en marcha un proyecto político, militar y religioso que tuvo como consecuencia la elaboración de una imagen perspectiva del mundo. Ésta propició que el hombre renacentista se estableciera como centro de la representación del cosmos y, en cuanto negaba sistemáticamente la ambigüedad física y epistemológica del observador, le permitió moverse por el espacio como una presencia descorporeizada que nombró y clasificó territorios y poblaciones a distancia. Esta imagen se actualiza y adquiere nuevas dimensiones en el contexto migratorio contemporáneo. Al aproximarse e ingresar al espacio europeo, los migrantes son registratos y retratados sin reservas. Sus cuerpos maltratados y sobre expuestos por figuras de “autoridad”. Sin embargo, aún si el control parece total, éstos logran resistir; los migrantes han ideado estrategias para evadir los registros y las patrullas y, en cuanto han hecho de sus cuerpos lugares de duelo y de lucha, han logrado convertir los límites y las fronteras en espacios amplios de experimentación política, espiritual y formal.

Velásquez Buriticá, Juan Camilo 

Treball de fi de Màster, 2017

Este ensayo intenta de vislumbrar las funciones improductivas del cine, la imagen cinematográfica y el cuerpo humano en el cine. Con este propósito, se trazará una genealogía de textos cinematográficos que intervienen y/o interrumpen la productividad laboral y también la narratividad fílmica. Entonces, se realizara una lectura de textos fílmicos a partir de los gestos, movimientos y ritmos del cuerpo humano y del cuerpo fílmico. Esto nos permitirá encontrar un conflicto dentro de la imagen entre las acciones productivas y los gestos improductivos. En este contexto, el baile y la detención del cuerpo surgen como coyunturas formales que interrumpen la producción laboral y narrativa. A partir de estas consideraciones se atisbarán formas improductivas de encarnar el cuerpo humano y fílmico.

Terrasa Torres, Mateo

Treball de fi de Màster, 2017

Tedesco-Barlocco, Brunella

Treball de fi de Màster, 2017

A través de las reconfiguraciones de James Bond y Batman efectuadas a partir de Casino Royale y Batman Begins, este proyecto propondrá una aproximación al reboot, o reinicio narrativo de franquicias, como complejización de la repetición fílmica. Categoría de surgimiento reciente en la industria y de aún incipiente desarrollo académico, el reboot se ve mayoritariamente rodeado de discursos crítico-periodísticos que replican los vilipendios normalmente exclamados contra remakes y secuelas. Alejándose de la preocupación por la “lealtad” a una fuente “original”, el presente ensayo optará por estudiar las estrategias narrativas heredadas de otras categorías de repetición, mediante las cuales los reboots instalan sus propias líneas de acción. Analizando la continuidad, la reescritura de eventos y personajes, el cierre de sentido trilógico y la caracterización, el proyecto arriba a la comprensión de una estructura encauzada a respaldar la reinterpretación que los reboots procuran de sus correspondientes héroes.

Redondo Gaztelu, Maite

Treball de fi de Màster, 2017

Este trabajo plantea un recorrido por la imagen paisaje tomando como referencia la lógica del Atlas Mnemosyne de Aby Warbug. Revisa la construcción del imaginario social del paisaje desde una visión eurocéntrica que sobrevive a través de estereotipos perpetuando la desigualdad social. Confronta la posición de enunciación de diferentes autores y autoras, a tres formulaciones de paisaje. En el primer capítulo, la constitución del paisaje colonial. En el segundo, la posibilidad o imposibilidad de libertad de movimiento, formalizadas en el horizonte y la frontera. Y en el tercero, el paisaje como opción válida de discurso cinematográfico.

Aliberti Calvete, Florencia 

Treball de fi de Màster, 2017

Ante la ausencia de imágenes o la imposibilidad de acceso directo a una vivencia, el cine ha encontrado métodos de puesta en escena capaces de revivir el presente y revisitar el pasado. Bajo lo que podríamos llamar modalidades de la repetición, el cine documental, en cuanto huella mnémica de lo real, recurre a diferentes estrategias de re-puesta en escena, que se presentan como formas de volver sobre un acontecimiento o vivencia que la cámara no ha podido captar y de repetir ante la cámara historias propias cuyo registro directo no fue, por diversos motivos, posible. A través de un cuerpo que vuelve a poner en escena y performa su historia, la repetición se impone como necesaria estrategia de ficción para acceder a una verdad.

Villaverde Suanzes, Fernando 

Treball de fi de Màster, 2017

El contexto histórico, intelectual y estético en el que se ubica Une femme douce (Robert Bresson, 1969) obliga a que se replanteen las maneras de acercarnos al arte, así como las formas de las obras de hacer política. Centrando el análisis en la luz –como elemento común a cualquier película– y en la vivencia personal se pretende, a partir de los aconteceres fundamentales de la película de Bresson, describir las características de un cine posterior a mayo del 68 y las condiciones que pudieran llevarlo a una emancipación del espectador.

Balbuena Rodríguez, Carlos

Treball de fi de Màster, 2017

Las ruinas tienen que ver, por encima de todo, con el tiempo. Son capaces de detenerlo, de congelarlo, de anularlo. En ocasiones, las ruinas son flujo; otras veces son detención. Suelen mirar al pasado, pero algunas de ellas son la prueba de que no puede haber futuro. Y en este ensayo se entremezclarán todas las posibilidades: las ruinas de la historia y las del hombre; las del siglo XX y las que nos llegan de la antigua Roma. Es cierto que este será un texto sobre cine, pero en cualquier momento se colarán entre los cuerpos apilados de Auschwitz o los devastadores efectos del napalm alusiones a las pinturas negras de Goya o al Guernica de Picasso. De la misma manera que se pasará del interior de un plano secuencia a las páginas de alguna novela o a las rimas de un poema de T. S. Elliot sin solución de continuidad y sin jerarquía alguna, porque de lo que realmente se hablará en las siguientes páginas es de algunas claves para empezar a pensar cómo se han representado las ruinas.

Pena Morado, Alejandro

Treball de fi de Màster, 2017

El presente trabajo pretende investigar las prácticas cinematográficas de adaptación y representación de textos literarios. Para ello se toman como referencia el estudio de las maneras de hacer de Michel de Certeau y su interpretación de la lectura como acto de creación. Centrándose en el paso de la palabra a la pantalla se intentan analizar las soluciones específicas de cada uno de los cineastas seleccionados para revelar sus posiciones respecto a la relación entre cine y literatura.

Baena Tedó, Ana 

Treball de fi de Màster, 2017

Cualquier estudio en profundidad que pretenda analizar la obra de John Cassavetes debe remitirse, forzosamente, a su trabajo con los actores, los encargados de mostrar “la verdad a veinticuatro fotogramas por segundo”, como en ocasiones se ha definido su obra. A lo largo del siguiente trabajo se pretende analizar su labor como director y su relación con los actores, dentro del contexto de tres de sus largometrajes: “Shadows” (1959), “Faces” (1968) y “A woman under the influence” (1974), por considerarlos el mejor reflejo de la evolución de sus métodos de dirección, desde sus inicios hasta el asentamiento de su carrera. Para respetar la cercanía que transpira su producción como director se ha optado por continuar con su propia voz y la de los actores, técnicos y amigos que lo acompañaron, partiendo de artículos, libros y entrevistas concedidas a lo largo de su vida.

Vannini, Roberta

Treball de fi de Màster, 2016

El presente trabajo propone un recorrido crítico e iconográfico a través de las formas de resistencia de la cultura tradicional en la Nápoles de la modernidad. Sobre la base del concepto de abgioia, definido por Pasolini como un momento de vitalidad “desesperada” y amor hacia la vida dentro de la tragedia inherente a la existencia humana, se examinan aquí las condiciones de una posible “recuperación” del pueblo napolitano mediante la supervivencia de sus rasgos más arcaicos: los gestos, el habla o las prácticas sociales: los gestos, el habla, las prácticas sociales. El objetivo de este trabajo es observar y establecer cuál ha sido la evolución de la forma de representar en el cine al pueblo napolitano, y cómo esta forma entra en diálogo con otras “poéticas de la resistencia” de la historia del cine.

Poch i Rodrigo, Chantal 

Treball de fi de Màster, 2016

Aquest treball té per objectiu justificar la presència d’una certa poètica en l’obra del cineasta alemany Werner Herzog emparentada amb el vell gènere del Bergfilm a través de la recuperació per a la contemporaneïtat d’un gest històricament robat, el de pujar una muntanya.

Garcia Hinojo, Cristina

Treball de fi de Màster, 2016

El presente trabajo aborda el parto en la obra cinematográfca. Este depasa el motivo visual, y exige que el cineasta emprenda los procesos creativos desde la experiencia de un acontecimiento liminar. El texto realiza un recorrido a partir de estas imágenes centrando la atención en la experiencia de lo Real, en el cuerpo y la relación entre sujetos, y en el papel que ahí ocupa el cine. Todo ello desde una mirada a los procesos de creación.

García Egüés, Raúl

Treball de fi de Màster, 2016

El presente ensayo trata de vislumbrar la función expresiva de la retroproyección. Para ello trazaremos un recorrido cronológico partiendo de disciplinas artísticas en las que se de una fraccionamiento en la imagen como herencia figurativa de la técnica, hasta la invención del cinematógrafo. Se realizará una investigación localizando los distintos momentos en los que se usa esta técnica para tratar de entender sus distintos usos en relación a diferentes contextos históricos. El trabajo investiga el desarrollo del lenguaje formal de este dispositivo caracterizado por contener en una imagen dos espacio tiempos que origina un montaje interno.

Cajas Zamora, Julián Andrés

Treball de fi de Màster, 2016

Tomando como base el concepto del mito del cine total que trabaja André Bazin, se intenta definir el camino que toma el cine para convertirse en una expresión integral y completa de la realidad. Así es como se llega a la idea de presencia en la imagen cinematográfica, vista como la posibilidad más cercana que tiene la manifestación artística hoy en día, gracias a lo que le permite la tecnología digital, para conseguir dicha totalidad en la recreación del mundo dentro de la pantalla. Sin embargo el reflejo fotográfico, intrínseco a toda expresión cinematográfica, aparece como un obstáculo para el establecimiento de esa presencia y la consecución de la totalidad. Este texto se propone trabajar la superación del reflejo desde el motivo del doble en varias películas contemporáneas que manejan el discurso de lo digital, para finalmente establecer una presencia que conlleve a alcanzar, al menos estéticamente, el cine total.

Lombardo Buil, Palma

Treball de fi de Màster, 2015

El presente trabajo traza un recorrido por los espacios del cine, aunque no propiamente desde el dispositivo escenográfico. El punto de partida será el entresijo de las imágenes, pues a partir de esta fisura se sitúa la idea de un espacio que es posible habitar. Desplegando una constelación de relaciones entre diferentes escenas y películas, se propone un recorrido a través de las tensiones entre cuerpo y espacio, entre interior y exterior. El cine entendido como un territorio en expansión, que brota cuando la mirada del espectador encuentra cobijo en los dominios de la pantalla.

Garcia Marginedas, Gerard

Treball de fi de Màster, 2015

El present assaig analitza com el cinema ha representat la comunicació entre dos amants separats per la distància. S’ha realitzat un rastreig i una historització de moment cinematogràfics que mostren un contacte significatiu entre els estimats creant un espai virtual entre ells. El treball estudia i relaciona contactes telepàtics, epistolars i també comunicacions a través de tecnologies de l’era digital com la videotrucada, analitzant les fortes similituds que presenten quan són explicats a través del llenguatge cinematogràfic.

Insuasty Salas, Edgar

Treball de fi de Màster, 2015

Este Trabajo Final de Máster es el resultado de una investigación personal que aborda las condiciones, características, argumentos y posibilidades sobre las que se desarrolla un proyecto audiovisual en el Centro Penitenciario de Jóvenes de Barcelona. A través de una lectura desde el mismo ejercicio del arte en su relación con la prisión, planteamos un dispositivo de visibilidad para el prisionero dentro de uno de invisibilidad que es la cárcel misma como interrupción de su mirada. Se pretende así perfilar los fundamentos para un proyecto metodológico a largo plazo que aborde dentro de la prisión, la problemática del audiovisual en particular y la imagen en general.

Pérez Dios, Álvaro

Treball de fi de Màster, 2015

Durante toda su carrera cinematográfica Nicolas Winding Refn se ha caracterizado por dos factores que han terminado por relacionarse: una constante búsqueda de una imagen que lo defina y una presencia recurrente de la violencia en todas sus películas. Así, desde un tratamiento cada vez más estético de esta violencia, el cineasta danés define a unos personajes, a los que consideraremos como personajes-límite, sumergidos en la incomunicación. A partir de esta incapacidad para relacionarse, la violencia se configura como la única forma posible para ellos de acercarse al otro. De este modo, ésta se convierte en un nuevo lenguaje que traza un trayecto que abarca el gesto, especialmente las manos, y el rostro de estos personajes.

Soares Simões, Alberto

Treball de fi de Màster, 2015

Este trabajo se asoma a las diversas formas de abordar y representar la memoria a través de elementos fundamentales del cine contemporáneo, tales como la fisura entre la identidad y el Otro, las líneas de tensión creadas por el difuminar de la distinción entre realidad y ficción, o la relación de los vivos con la memoria de los muertos. /nEl establecimiento de un territorio común entre el trabajo de tres cineastas contemporáneos se establece por intermedio de la figura fundamental del fuego fatuo, un fenómeno natural comúnmente asociado con el vagabundeo o paso efímero del espíritu de los muertos, que en este caso presupone un recurrido de la mirada al gesto./nSe busca construir una propuesta alternativa a la relación de la imagen con la historia, en la que la imagen cinematográfica “presupone aún otra vida del pasado” (Salvadó-Corretger).

En el siguiente ensayo, estudiaremos el régimen panóptico de las imágenes en/ntres ficciones seriales televisivas: Deadwood, Boardwalk Empire y The Wire, haciendo/nun recorrido histórico-analítico por las sociedades disciplinares y su mutación, que dan/npie a las sociedades de control, dentro de los contextos biopolíticos y urbanos en los que/nse desarrollan las mismas.

Saez de Adana Herrero, Francisco Manuel

Treball de fi de Màster, 2014

En este trabajo se presenta el reflejo de la historia en el cómic de prensa Terry y los Piratas de Milton Caniff. Se analiza cómo el autor se convierte, a través de una obra de aventuras, en un cronista de la historia y, fundamentalmente, de los acontecimientos que sucedían en China en los años anteriores a la Segunda Guerra Mundial. Constituye un acercamiento de una realidad lejana en una época en que la sociedad americana sólo miraba a su interior, preocupada por su situación económica fruto de la Gran Depresión. Todos estos condicionantes de la sociedad norteamericana tienen su reflejo en el cómic de prensa en general y en Terry en los Piratas en particular, aspecto que se estudia en este trabajo. La potencialidad de la imagen y del cómic como transmisor de la historia es el eje fundamental del análisis realizado.

Velásquez Buriticá, Juan Camilo

Història​​ crítica​​ de ​​las​​ metodologies ​​del​​ cine​​ II​​, 2017-2018.

Este ensayo establecer las bases teoricas y metodologicas para un proyecto de investigación alrededor de las funciones improductivas del cine, la imagen cinematográfica y el cuerpo humano en el cine. Con este propósito, se trazará una genealogía de textos cinematográficos que intervienen y/o interrumpen la productividad laboral y también la narratividad fílmica. Entonces, se realizará una lectura de textos fílmicos a partir de los gestos, movimientos y ritmos del cuerpo humano y del cuerpo fílmico. Esto nos permitirá encontrar un conflicto dentro de la imagen entre las acciones productivas y los gestos improductivos. En este contexto, el baile y la detención del cuerpo surgen como coyunturas formales que interrumpen la producción laboral y narrativa. A partir de estas consideraciones se atisban formas improductivas de encarnar el cuerpo humano y fílmico.

Rugiero Bader, Agustín

Imaginaris del Cinema de Hollywood, 2017-2018

El presente es un breve estudio sobre la influencia de la mitología heroica en la representación de las multitudes del cine hollywoodiense. Dada la amplitud del tema, no debe ser leído como un tratado categórico, sino como un escrito con la intención de arrojar un poco de luz sobre algunas preocupaciones que emergen de un cine caracterizado por su ensalzamiento del individualismo. La desconfianza ciega en las masas y el asociacionismo popular no sólo ayuda a la precariedad de las relaciones interpersonales de la contemporaneidad, sino que también se puede ejercer desde posiciones de poder (entendido como aquel que atraviesa relaciones sociales de manera indiscriminada y en todos los sentidos) para legitimar posturas egoístas, privilegiadas o directamente misántropas.

Díaz Garcés, Elisenda

Historia Crítica de las Metodologías de Investigación en el Cine y el Audiovisual, 2017-2018.

Este estudio se propone explorar las posibilidades que contiene el ensayar una imagen, una obra. En las representaciones cinematográficas del proceso creativo, al consistir en un constante repetir, retomar, probar y variar, construyen obras abiertas, oeuvres en train de se faire, que no llegan a clausurarse nunca. Esta apertura libera los significantes, relativizan los sentidos. Cuando vemos una imagen y luego la volvemos a ver, el espectador despierta y empieza a jugar con la obra.

Pérez Alcázar, José Miguel

Estètica del cinema contemporani, 2017-2018.

Los movimientos de liberación negros y LGBTQ comparten recorrido y son dos de los grandes hitos en cuanto a la consolidación de derechos civiles en el siglo XX. Sin embargo, no se ha escrito tanto sobre la intersección entre ambos. Este trabajo pretende iniciar una vía de diálogo entre las dos corrientes para tratar de definir, desde la estética, de qué armas se ha valido lo queer y lo negro cuando han ido de la mano. Además, plantea nuevas vertientes de esta estética reivindicativa negra, valiéndose de puntos de fuga hacia paradigmas afro que no tienen como marco la realidad estadounidense.

Nicolae, Ovidiu Serban

Intersecciones Contemporáneas entre Cine, Televisión y Cómic, 2017-2018.

La tradición del simulacro da comienzo con Pigmalión, en el mito de las Metamorfosis de Ovidio. Su herencia ha llegado hasta nuestros días habiendo sido siempre un elemento relevante en el imaginario colectivo occidental, así como en las manifestaciones artísticas a lo largo de los siglos. En el cine contemporáneo el mito aparece a menudo en contextos de relación humano - máquina. Estas interpretaciones están presentes en títulos tan recientes como Her, Black Mirror o Westworld. La finalidad de este ensayo es poner en diálogo el mito original con algunas de sus reinterpretaciones de la posmodernidad para averiguar cómo se ha transformado y de qué forma está presente en el audiovisual contemporáneo.

Nicolae, Ovidiu Serban

Cines del Real, 2017-2018.

Mandías Couto, Pedro

Cruïlles Contemporànies entre Cinema, Televisió i Còmic Primer Trimestre, 2017-2018.

Pese a ser un fenomeno reciente, el Novo Cinema Galego ha sido estudiado ya desde diversos puntos de vista. Sin embargo, la memoria, pese a ser un elemento que aparece en numerosos de los títulos pertenecientes al movimiento, todavía se encuentra relativamente inexplorado. Este trabajo trata de realizar una aproximación a algunos de los autores que han utilizado este concepto en su práctica cinematográfica.

Benítez López, Samuel

Géneros en el cine contemporáneo, 2017-2018.

A través de las siguientes páginas abordaremos la idea de género cinematográfico desde el prisma sociológico e identitario. Apoyándonos en las teorías de la identidad líquida de Zygmunt Bauman trazaremos un recorrido formal mediante el enfrentamiento dialéctico entre discursos pertenecientes a distintas etapas del género musical -aproximándonos al género desde un cuestionamiento moderno hasta su alusión contemporánea-. De este modo, pretendemos reflexionar sobre la idea de género cinematográfico como identidad del medio y cuestionar su vigencia en un panorama contemporáneo.

Benítez López, Samuel

Iconografía del Cine, 2017-2018

La imagen se ha descrito a lo largo de una parte de la tradición como falsedad, como sombra antitética de la realidad. Entonces, ¿de qué estamos hablando cuando nos enfrentamos al motivo visual de la utilización de un gesto característica al sentido del tacto en una imagen? ¿Puede la imagen representarse a un nivel físico/matérico capaz de potenciar una gestualidad de la tactilidad? En las siguientes páginas intentaremos abordar la motivación conceptual que vertebra la representación formal de la relación imagen-tacto. Así mismo, buscaremos establecer una dialéctica de la imagen que nos permita trazar un recorrido por el motivo, para reflexionar sobre la idea de corporalidad como un eco constante en toda una serie de imágenes que resuenan cuando establecemos el motivo en cuestión como marco de referencia.

Benítez López, Samuel

Imaginaris del Cinema de Hollywood, 2017-2018 

El presente trabajo trata de establecer un recorrido por los diversos motivos iconográficos correspondientes a la figura de la mujer en las relaciones de dominación. Partiendo del icono de la dómina se establecerá un recorrido que atravesará el mito de Venus y seguirá a través de la novela La Venus de las pieles de Leopold von Sacher-Masoch y de discursos pertenecientes al cine clásico para trazar los distintos ecos simbólicos que encontramos en su representación, para determinar, finalmente, la vigencia del discurso clásico en el panorama contemporáneo.

Via Vázquez, Valentín

El Cinema a les Sales d'Exposició, 2017-2018.

Museos de recinte creación como el Centro Pompidou o el MACBA son extensión y emblema de la biopolítica. Este ensayo se propone conectar el dispositivo frente a su profanación, en el caso del MACBA, por parte de aquellos actores que pretenden recuperar y capturar la realidad de un espacio arrebatado por el biopoder. Como en su momento Rosellini filmó en 1977 con su última pel·lícula Beaubourg, centre d'art et de culture Georges Pompidou, actualmente y de forma colectiva, en una cuenta de Instagram que se llama Solo en MACBA, se almacenan cientos de vídeos sobre todo aquello que rodea al museo explorando su profanación.

Lai, Yi

Cruïlles Contemporànies entre Cinema, Televisió i Còmic 2017-2018.

El presente texto trata de analizar cómo el cineasta chino Jia Zhangke representa los traumas urbanos de la China contemporánea a través de lo sucedido en un parque temático, donde se exponen copias de arquitecturas extranjeras de fama mundial. Dentro de este parque lleno de simulacros, el mundo rural de China, de donde vienen los jóvenes aislados en la ciudad, el mundo urbano y el globalizado se mezclan y se confunden. Jia lo percibe, y lo representa a través de la reducción temporal y espacial. El espacio público y el privado también están violentamente separados, que visualmente aparecen distintos. Los jóvenes van en movimiento constante, sin saber si están en vagabundeo o con libertad. La gente está manipulada por las normas de la sociedad mercantil y de la de espectáculo. Los jóvenes protagonistas optan por escaparse al mundo virtual creado por el móvil, que se presenta novedosamente de animación.